Cinema Marginal

Expoente da Boca do Lixo, o diretor Ozualdo Candeias construiu ?uma filmografia marcada pelo espírito livre e pela provocação na forma de narrar a vida de miseráveis e outros excluídos

“Nunca tive profissão. Nunca me preocupei com nada”, define a si próprio Ozualdo Ribeiro Candeias, em tom que revela alguma dose de displicência, no documentário “Candeias”, de Nilson Couto, de 1987, disponível no acervo do Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo.

E continua o cineasta que, embora tenha sido registrado na cidade de Cajobi, interior de São Paulo, não sabe exatamente em qual localidade veio ao mundo: “Nasci em algum lugar do Mato Grosso, em 1922”.

Neto de imigrante português fazendeiro, Candeias passou a infância em cidades como Marília, Presidente Prudente e São Paulo, onde nos primeiros tempos morou em bairros como Penha, Brás e depois Vila Mariana e Ipiranga.

Ainda durante a infância, viveu entre altos e baixos financeiros da família, ora em cortiço, ora em bela casa. Garoto, vendeu sorvete na Praça do Correio (em São Paulo), foi office boy e trabalhou em fábricas. Antes de descobrir a arte que iria revelar Candeias como um dos mais significativos nomes do cinema brasileiro, ele foi ainda cabo do exército, vaqueiro, fiscal de obras e motorista de caminhão.

Todas essas experiências marcaram a personalidade do futuro cineasta, visto por muitos como uma pessoa arisca e desconfiada. “Não sei se era desconfiado. Arisco, sim. Fizeram um documentário sobre ele, ainda vivo, e ele não falou nada. Acho que ele gostava mais de filmar do que de ser filmado”, diz o crítico de cinema do jornal Folha de S.Paulo, Inácio Araújo.

O crítico estreou no cinema como assistente de produção estagiário do filme A Herança, realizado por Candeias em 1971. Tratava-se de uma adaptação de Hamlet, de William Shakespeare, em que o personagem Homeleto – numa referência ao príncipe que dá nome à peça do autor inglês – é um sertanejo que parte para a cidade para estudar. “O Candeias era muito sério enquanto trabalhava.

Rigoroso tanto com o próprio trabalho como no trato das pessoas. Fora isso, era uma pessoa simpática, com quem eu me dava muito bem”, relembra o crítico, que destaca a habilidade artística do cineasta. “Ele sabia trabalhar com orçamentos mínimos e tirar poesia das coisas, buscar as coisas em seus lugares, onde estavam, e atribuir a elas, sobretudo à vida dos miseráveis, um tratamento poético.”

O diretor Carlos Reichenbach, contemporâneo de Candeias, vê o colega com outras lentes. “Ele era muito de lua, para falar a verdade. Tinha momentos em que era bastante afável, bastante acessível. Em outros, ficava mais retirado e era a pessoa mais complicada de trato”, afirma.

Para Reichenbach,?no entanto, a marca de Candeias era o espírito livre, que manteve até a morte, ocorrida em São Paulo, em 2007, aos 85 anos. “Um dos poucos caras que eu conheci na vida, capaz de sair de São Paulo e receber uma homenagem no festival de Brasília de moto (pela premiação do seu último filme, O Vigilante, 1992), com quase setenta anos de idade”, diz.

E associa o estilo livre de ser de Candeias às influências da fase em que trabalhou como caminhoneiro, fato que também repercutiu diretamente em seus filmes. “Foi um tipo de artista formado pela vida, pela estrada.” Assim como sua obra, foi um homem à margem. Aventureiro, meio cigano. Quase nômade. “Tenho a impressão de que, no fundo, no fundo, ele se sentia até cerceado na vida da cidade. Não tinha os centros urbanos como uma âncora”, continua Reichenbach. “Seu cinema tinha uma caligrafia própria. Ele não abria mão da sua forma de olhar o mundo.”

Por volta de 1950, o cinema surgiu na vida de Ozualdo Candeias, quando, entre viagens ao interior de São Paulo, se interesssou em registrar discos voadores. Comprou uma câmera e pediu explicações de funcionamento ao vendedor. A partir daí, começou a comprar livros para aprender sobre manuseio e técnicas mais avançadas de produção, além de ter participado de alguns seminários sobre cinema em São Paulo.

Desde as primeiras experiências com a sétima arte, mostrou seu desapego às regras, usos e costumes do cinema então produzido. Na época, para uma gravação externa, era preciso que o dia fosse ensolarado. Candeias fazia externa, fizesse sol ou dia nublado, por exemplo. A regra para ele era filmar sem roteiros e a opção era pelo improviso.

Além disso, atores profissionais eram normalmente dispensados por ele, seja por causa do cachê muito alto para seus orçamentos, seja porque tinham um biotipo pouco representativo da maioria dos seus personagens, que buscavam retratar os excluídos de maneira fidedigna. O mesmo princípio valia para os figurinos, que não eram feitos especialmente para cada filme.

Essas são características marcantes de A Margem, seu primeiro longa-metragem, de 1967 – cujo elenco era composto por pessoas vivendo na miséria e vestindo suas próprias roupas –,?mas percorrem toda a sua filmografia, composta de 23 filmes, entre curtas, médias e longas-metragens.

Boca do Lixo


Foi na Boca do Lixo, região central de São Paulo, próxima à Praça da República, que o cinema de Ozualdo Candeias ganhou espaço. A área, famosa pela concentração de prostituição e marginalidade, foi um dos maiores polos de produção cinematográfica do Brasil, nas décadas de 1960 e 1970. Lá diretores se encontravam e comercializavam equipamentos, num momento em que os estúdios como Vera Cruz e Multifilmes já não mais ?existiam.

A princípio, os encontros aconteciam nas ruas Rego Freitas ou Bento Freitas e, depois, o ponto de encontro passou a ser na rua do Triunfo. No final da década de 1950 e meados dos anos de 1960, a maior parte das distribuidoras de cinema tinha escritório pela região. Tanto as estrangeiras – como a Paramount, Warner, entre outras – quanto as nacionais, como a Cinedistri, tinham o escoamento da produção facilitado naquele local por ser próximo às estações ferroviária e rodoviária.

Não existia identificação temática entre os trabalhos dos cineastas da Boca do Lixo, como Rogério Sganzerla, Carlos Reichenbach, José Mojica Marins, João Silvério Trevisan, entre outros. O cinema da Boca vivia graças às bilheterias, em oposição ao cinema do Rio de Janeiro, na época financiado pela Embrafilme.

Das 90 produções brasileiras feitas por ano durante a década de 1970 e registradas pela Enciclopédia do Cinema Brasileiro (Senac, 2000), cerca de 60 eram da Boca, região que revelou nomes como Vera Fisher, Matilde Mastrangi, entre outras atrizes que se tornaram conhecidas pelo grande público. E inaugurou, assim, a era das estrelas, posição que até então era reservada aos homens, como os comediantes Oscarito e Grande Otelo. Após a fase de sexo explícito da Boca, iniciada na década de 1980, a área encerrou suas atividades por volta de 1990.

Imagem em movimento


Exposição mostra os desdobramentos da arte narrativa no decorrer dos tempos

 Até 6 de junho, o Sesc Vila Mariana traz a exposição M[C]ontadores de Histórias que, em parceria com a FAAP (Fundação Armando Alvares Penteado) e a Gargântua Produções, apresenta o desenvolvimento da arte da narrativa.

O público tem acesso a um panorama sobre essa forma de relatar eventos reais e imaginários, desde seus primórdios, com as pinturas em paredes das cavernas, passando pelos pergaminhos e pelo início do cinema, com a câmera parada em plano único, até os dias de hoje, com uso dos recursos da tecnologia.

A mostra, em cartaz desde abril, também faz um mergulho na linguagem e técnica cinematográfica por meio de textos, imagens, trechos de filmes, atividades interativas, brinquedos ópticos da era do pré-cinema, aparelhos de montagem conhecidos como moviolas, além de videodepoimentos, em que o público pode conhecer um pouco da história do cinema – com especial destaque para a montagem cinematográfica. “É uma espécie de homenagem aos montadores brasileiros, que são figuras que ficam normalmente um pouco esquecidas”, explica a técnica do Sesc Vila Mariana, Giuliana Pereira A. Estrella.
  
Além da exposição, outras atividades fazem parte da programação, como ciclo de filmes, debates e oficinas que trazem mais sobre a evolução da montagem no cinema e o uso de softwares de edição de audiovisuais. Na programação de obras que marcaram o cinema brasileiro e mundial, como Deus e o Diabo na Terra do Sol, de Glauber Rocha, 1964, Aurora, EUA, 1927, com direção de F. W. Murnau,  o italiano Nós que nos amávamos tanto, de Ettore Scola, 1974, está também o filme de Ozualdo Candeias, Meu Nome é Tonho (foto), de 1969, comentado após sua exibição pelo montador, escritor e crítico Inácio Araújo. 

Serviço
Aconteceram durante abril as oficinas “Narrar por Imagens – Como adaptar uma obra literária para o cinema”, que analisou a relação histórica entre a literatura e a sétima arte, a partir da compreensão da estrutura literária. Aulas práticas e teóricas foram intercaladas com exibições e leituras de filmes famosos, criados a partir da literatura.

“O processo da montagem – uma oficina prática” também foi tema que tomou conta de seis aulas. Realizada em maio, a oficina teve como foco a utilização de software de edição para audiovisuais, o Premiére.
 Em 2 e 9 de junho acontecem as duas últimas aulas das quatro que integram a oficina “Trilha e Sonorização (montagem/edição de som)”, que teve início em 19 de maio e tem como objetivo trabalhar a percepção sonora, bem como a teoria do uso do som e da música em discursos narrativos audiovisuais, com atividades práticas.

O “Foco e Pensamento”, espaço dedicado à discussão e prática da fotografia no Sesc Vila Mariana, trouxe, entre abril e maio, quatro encontros com o fotógrafo de sólida trajetória em São Paulo, Marcos Camargo, para analisar a relação entre fotografia e cinema, com especial destaque para fotografia de set de filmagem e a imagem fotográfica no enredo.

Ainda em abril, aconteceu uma mostra de filmes com a participação do professor de cinema da FAAP, Máximo Barro, e convidados, para um bate-papo sobre montagem: Alfredo Sternheim, com o filme A ilha, de Walter Hugo Khouri, 1963, Antônio Leão, com O Corintiano, dirigido por Milton Amaral, 1967, Luis Felipe de Miranda, com A Árvore dos Sexos, de Sílvio de Abreu, 1977, além de Mauricio Rittner, que discutiu sua própria obra, Uma Mulher para Sábado, de 1970.

O projeto “Inspirando montagens” trouxe diversos montadores convidados para comentar o filme de sua vida, após sua exibição, durante o mês de maio. Mauro Alice escolheu Aurora, EUA, 1927, com direção de F. W. Murnau. Gilberto Santeiro, diretor da cinemateca do MAM, elegeu Deus e o Diabo na Terra do Sol, de Glauber Rocha. O crítico e montador Inácio Araújo trouxe Meu Nome é Tonho, de Ozualdo Candeias, e Giba Assis Brasil, de Porto Alegre, foi convidado para analisar Nós que nos amávamos tanto, de Ettore Scola, Itália, 1974.

Também em maio, dois “Encontros sobre Montagem Cinematográfica” trouxeram cineastas e teóricos para debater, no auditório, com exibição de trechos de filmes, o tema da montagem no cinema contemporâneo. Marcelo Masagão com Umberto Martins e Evaldo Mocarzel e Maria Dora Mourão. ::